Movimientos sociales y música: rap en español + invitados especiales Richie Villanueva (In The House Mag) y Luis Díaz

Esta semana cubrimos los principios del rap en español. Asesoramos el contexto económico, racial, étnico y lingüístico de los comienzos del hip-hop preguntándonos porque entre el 1985-95 se invisibilizó la participación latina en el hip-hop dentro de los Estados Unidos. Repasamos algunos de los raperos que experimentaron con el spanglish de la rima, empezando con la breve apariencia de rap en español en la canción “Disco Dream” de Mean Machine grabada en el 1981 por SugarHill Records. Esta es – hasta donde se – la primera grabación de rap en español (por un sello reconocido de _rap_, o sea un archivo con fecha verificable). Luego repasamos algunos clásicos del spanglish code-switching como fueron las obras de MellowMan Ace con su canción “Mentirosa” (Capitol Records 1990) y Kid Frost con “La Raza” (Virgin Records 1990), entre otros.

Mientras en Estados Unidos los latinos y el rap en español tomaron un segundo plano de popularidad dentro del hip-hop, hubo un desarrollo del liricismo en Panamá y Puerto Rico. A principios del seminario estudiamos la migración del dub jamaiquino a Nuevo York y la importancia de sus elementos sónicos y culturales para el temprano desarrollo del hip-hop. Desde Jamaica el dub tuvo otro traslado significante en paralelo hacia Panamá. La ola migratoria de jamaiquinos para trabajar en el canal de Panamá creó un lazo transnacional entre las ciudades de Kingston y Colon. Canciones de dance hall en ingles fueron replicadas al español, y el dub ofreció una plataforma musical para la experimentación de rimas. La fusión nos rindió el género del reggaespañol del cual surgieron artistas como Nando Boom, La Atrevida, y luego El General. (El caso de El General es sumamente interesante desde una perspectiva histórica-política. Mientras los Estados Unidos invadía a Panamá para bajar de poder al General Noriega, las industrias musicales norteamericanas subían al reggae-rapero El General en los pop-charts como icono cultural.) La popularidad del reggaespañol en Panamá, y el auge de El General en el mercado musical estadounidense (colaborando con grupos como C+C Music Factory), fueron elementos influenciales hacia el desarrollo del rap “underground” de Puerto Rico en conjunto con las atribuciones del rap norteamericano.

Cerramos el cuadro teórico de la clase con el tema de la censura. Revisamos los primeros casos legales en Estados Unidos contra el rap tomando de ejemplo la censura por obscenidad que recibió 2 Live Crew. Repasamos la censura como un proceso de silenciamiento artistico que se manifiesta entre las ramas ejecutivas (policia) y las judiciales (cortes) del gobierno. Terminaos la discusión con el ejemplo local de la censura del rap “underground” en Puerto Rico a mediados de los noventas bajo el lema de “Mano Dura Contra el Crimen” de la administración de Rosello.

El miércoles tuvimos de invitado especial a Richie Villanueva Cruz (vía Skype), director de In The House Magazine (la primera revista de hip-hop y reggaetón en Puerto Rico, fundada en el 1994). Richie nos hablo del papel que tienen los medios de comunicación sobre un género musical para generar gustos y vender productos. Muchas veces las propagandas que le enviaban las agencias que compraban espacio en la revista no tenían conceptos contextualizados para su público. Para remediar esta disyuntura Richie comenzó a trabajar directamente con las marcas, envés de las agencias, para crear propagandas personalizadas utilizando los mismos artistas del género para vender sus productos. Para él, esto representaba una manera de mantener la narrativa de la revista “real.” La idea se le ocurrió cuando le enviaron una propaganda de café que consistía de una doña mayor de edad sirviendo unas tasas. Richie se le ocurrió de ofrecerles de hacer su propio foto shoot con Ivy Queen trabajando en su estudio de grabación tomando el café. La idea fue un excito y usar artistas del género underground en su marketing se hizo firma de la revista. Richie nos expreso que el reggaetón vendia música y productos. Con esa entrada económica podía aportar hacia la exhibicion y auspicio de eventos del hip-hop, ya que de por si, el hip-hop no generaba una fuerte economía. Entre anécdotas sobre el proceso de establecer la revista, nos relato sobre la importancia del CD que acompañaba la publicación en el cual exhibía no solamente artistas mencionados en los artículos del mismo volumen, sino tambien intérpretes nuevos y hasta entonces desconocidos. Muchos artistas del hip-hop y el reggaetón que hoy son populares tuvieron su primera exposición en el disco de In The House Magazine.

Cerramos la semana con la visita de Luis Díaz, integrante del rap dúo Intifada, historiador y maestro. Como profesora yo evaluó más el nivel de comprensión de los estudiantes por las preguntas que hacen que a las que responden. Creo que ese fue el detalle más valorable del seminario esta semana para mí, ver a los estudiantes – ya con una base de conocimiento – hacerle preguntas a Richie y a Luis Díaz. Gracias a su combinación de conciencia e inocencia, distanciamiento personal e inquietudes filosóficas, los estudiantes se llevaron el protagonismo esta semana como entrevistadores.

Luis Díaz nos conto sobre su primer encuentro con el hip-hop a través del graffiti como parte del paisaje urbano de Carolina en cual se crió. Nos narro sobre su identificación con el rap entre influencias del rock y el heavy metal, géneros con el cual él no se identificaba, pero que eran la moda en ese tiempo. A través de varias experimentaciones se encontró con Yallzee, y se organizaron para formar un grupo que creció para el 1997 a convertirse en Conciencia Poética. La agrupación incluía también a SieteNueve y Noah ‘Omi’ Santiago. Un año más tarde establecieron a Vanguardia Subterránea, este proyecto fue una amplificación del primer grupo que incorporo a Ovr Doze (Tek One y JMO), MAD Steelo (Severo Cantaclaro and DJ Locator), EA Flow, y el SWAT graffiti crew (Ogral One, Mero Uno y Exor).

Luis nos narro una historia de concepción, solidaridad, y colaboración. Fue justo ahí que un estudiante le hizo la pregunta literalmente “estelar:” Si todo era tan colectivo y colaborativo, porque se separaron? Luis se rio y le respondió con una anécdota “galáctica.” A la distancia una estrella brilla de manera singular, pero cuando te acercas te das cuenta que es una galaxia, y que cada constelación en realidad es bastante diferente y distante una de la otra. Resumió que cada uno de los integrantes siguió creciendo, pero en direcciones diferentes.

Luis nos relato lo importante que fue para él visitar a Cuba. Su sorpresa de ser recibido por personas en la calle pidiendo autógrafos. Se sintió fascinado de la manera que los raperos querían saber de Puerto Rico, no solo del rap, sino en su totalidad como “país” y pueblo. Tuvimos una interesante conversación sobre las diferentes etapas del rap caribeño durante los últimos veinte años y su nutrición por parte de los intereses extranjeros. Discutimos las tensiones entre el hip-hop y el reggaetón, y como los festivales fueron un auge esencial del hip-hop en América Latina, nombrando el Habana Hip-Hop como precedente.

Le pregunte sobre su proceso de escribir rimas y su construcción de canciones. Nos conto que sus canciones le nacen y que cada una tiene su desarrollo individual. Le recalco a los estudiantes (par de veces) que la edición y la auto-critica son componentes muy importantes en la escritura. Los estudiantes ahí tomaron las riendas preguntándole sobre su fundamentación literaria y poética. Luis reconoció al poeta y maestro local Che Meléndez como uno de sus mentores y nombro influencias suyas provenientes de Neruda, Pietri, Vallejo, y Corretjer.

Cerramos conversando sobre las diferentes maneras que la música se puede relacionar con los movimientos sociales. Hay repertorios que narran un movimiento social, hay repertorios que incitan al levantamiento social y hay repertorios que son apoderados por el activismo como himnos, quizás aun sin las intenciones de sus autores. Una enriquecedora conversación de tener sobre como clasificamos a la música y los movimientos sociales con el mismo Luis Díaz, un historiador cuyo discurso artístico ofrece un poco de cada cual, siendo pedagógico, instigador, acusador, y narrador.

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Movimientos Sociales y Música: La Historia Oral del Hip-Hop (Invitados especiales DJ Adam, Rex Jay, Enamo)

Hoy fue un seminario muy especial. Tuvimos de invitados a DJ Adam y el director de Time Machine Squad (TMS), Alex Cruz a.k.a Rex Jay. Rex Jay trajo también a b-boy Enano de Venezuela quien está actualmente en Puerto Rico trabajando y ofreciendo talleres de break dance.

Hoy nos permitió un acercamiento a la historia del hip-hop en Puerto Rico narrada por sus mismos pioneros. Adam nos conto de cómo rompió la aguja del toca discos de su abuelo experimentando a “escratchear” cuando era jovencito y Alex nos relato cómo en el 1983 se exhibían, practicaban, y difundían los pasos del baile en los “party de marquesina.” DJ Adam nos relato sobre la producción de sus mixtapes, MadJam, y el rechazo que recibió por los estudios profesionales temprano en los noventas cuando él quiera mezclar instrumentales con rap. Nos narro también sobre la etapa de censura que recibió el rap en Puerto Rico a mediados de los noventas bajo el lema de “Mano Dura Contra el Crimen” del gobernador Pedro Rosello. Adam nos conto de un episodio en particular cuando la policía entro a la discoteca llamada Rappers donde estaba tocando y le quito todos los discos (vinyl y compactos), y tuvo que negociar para que no se le lleven el equipo completo. Rex Jay nos conto anécdotas de cómo el baile tenia representación barrial, y que cada paso tenia (y todavía tiene) su nombre, no era todo llamado break dance. Ambos expresaron que el hip-hop ofrece un reto sano para el desahogo juvenil ante demasiadas alternativas negativas en su diario vivir.

Quizás lo más lindo para mí que los conozco hace mucho tiempo, fue verlos interactuar juntos, compartiendo recuerdos y sentimientos. Ambos todavía se dedican a hacer hip-hop. Adam es el DJ de Tego Calderón y Rex Jay estableció una escuela de hip-hop para jóvenes en Canovanas (ademas de los eventos anuales que produce). Me resulto interesante que ambos expresaron una necesidad de que el arte del hip-hop (baile, visual, sónico, lirico) sea responsable. Responsable en el sentido de ofrecer contenido que aporte hacia el mejoramiento de la sociedad. Que refleja la realidad, aun si es fantasía. No se enfocaron en la crítica hacia un cierto genero, ya que esa narrativa es demasiado simple, sino, una inquietud con el repetido mensaje misógino.

Fue interesante tener la perspectiva de Enano, b-boy de Venezuela quien nos dio perspectiva sobre el hip-hop en su país y compartió sobre su acercamiento al baile como parte de una generación más nueva que la de Adam y Rex Jay. Explicó un poco sobre la globalización del hip-hop fuera de Nueva York, donde por ejemplo sus influencias fueron otras más alcanzables. También como visitante frecuente de Puerto Rico expreso su inquietud con observar una disminución de participación local en el hip-hop a través de los últimos años.

Una estudiante presentó una pregunta muy interesante sobre un evento reciente en Puerto Rico en donde se trajo a Anita Tijoux, pero su telonero tenía un repertorio muy en contraste con el de la rapera. En donde ella presenta una imagen y un repertorio que vislumbra la mujerde manera organica, fuerte, luchadora, su telonero tiene un repertorio que aunque tambien vislumbra la mujer, es de una manera altamente sexista. El propósito de la pregunta no era de castigar el telonero, sino de acercarse a porque el hip-hop de Puerto Rico es tan admirado y estudiado a través de América Latina, pero dentro de la isla existe un desconocimiento hacia los artistas latinoamericanos. Porque de otra manera ese empate entre telonero y acto principal no sería ni imaginable, pero por falta de conocimiento e intereses comerciales, se dió. Su pregunta fue mejor respondida por una de sus colegas que los mismos invitados, quien recalco los efectos de la colonización norte americana en la cultura popular y el aislamiento nacional/internacional que se vive en Puerto Rico.

Este encuentro les ofreció a los estudiantes una oportunidad para registrar una historia oral biográfica. Aunque hay bastantes publicaciones hoy en día sobre el hip-hop de Estados Unidos, y estamos leyendo varios estudios sobre el hip-hop Latinoamericano en la clase, la mayoría de estos están en ingles. A la vez, el hip-hop es una cultura – Chang (2005) diría una generación, Rivera (2003) diría una zona, yo (2014) apuesto por un lenguaje/código – muy joven todavía, en donde mucho de sus pioneros siguen siendo protagonistas. La historia oral es entre los pocos métodos de documentarla. La práctica que tuvieron hoy les servirá muy útil si quieren expandir nuestros archivos y conocimientos sobre el hip-hop en español de manera más amplia.

Ademas, para algunos, les dio la oportunidad de pasarle su mixtape a DJ Adam 😉 …

Aquí les dejo algunas fotos…

Movimientos Sociales y Música: 1985, “Graffiti Rock,” y la cúspide comercial de los cuatro elementos

Las caras de los estudiantes viendo “Graffiti Rock” (Holman 1985) en clase me las goce más que el mismo video. La imagen marca un momento clave en la historia del desarrollo del hip-hop y para muchos es chocante ver su hiper-comercialización a tan temprana edad. Este shock se suele expresar con risas y comentarios, particularmente divertido para la profesora. “Graffiti Rock” (si, “rock,” no rap) fue un programa televisivo dedicado al hip-hop producido por Michael Holman, al estilo de SoulTrain pero con entrevistas, sección de moda y traducción de términos.

“Graffiti Rock” nos presenta la cooptación del movimiento por los medios de comunicación. La creación de grupos comerciales/profesionales del hip-hop. Los cuatro elementos sacados de la calle, lavados, pulidos, y puestos en exhibición para toda la juventud de Estados Unidos poder reproducirlos y consumirlos. Las escenas rompen con las previas imágenes que vimos ayer en documentales como StyleWars (Silver and Chalfant 1983) o el cuasi-documental WildStyle (Ahearn 1983). En el segundo, los protagonistas del film son los verdaderos artistas que actúan roles similares a su persona en la película. Este documental nos permite considerar que estos no-actores actuaban para reflejar su auto-interpretación de su “mejor” yo (recuerden, “mantenlo real” es prácticamente una mantra del hip-hop). El sociomusicólogo Simon Frith considera que la identidad (y la identificación con la música) es un proceso de experimentación, dándonos un lente particular para asesorar el trabajo de Ahearn. Estos dos documentales nos muestran un hip-hop crudo, marginal, anti-sistémico y anti-autoritario.

Como puente de estéticas entre el hip-hop crudo y el pulido, repasamos la escena de Rock Steady Crew en la película Flashdance (Lyne 1983) y el significado de esa escena para la difusión masiva de la estética del breakdance a nivel nacional. La escena de la película ocupa menos de dos minutos de metraje, pero crea un fervor que hasta la revista Newsweek le dedica un articulo a la fiebre del break dance que esa escena instigó (McGuigan, et.al. 1984).

Pero “Graffiti Rock” es la joya. En esta etapa del desarrollo histórico del hip-hop ya no se asocia con una herramienta de unificación ni una imposición estética desde el Bronx hacia Manhattan, sino un paquete denominado “subcultura” enlatado, embutido, empaquetado “for export” desde Nueva York para el mundo. Exprime el potencial del consumo que acompañan sus plataformas de exhibición con indicaciones de como uno debería vestirse para verse asociado a este movimiento artístico (tenis Adidas con los cordones gordos, gorra Kangol, lentes Gazelle), nos da instrucciones de “how-to-rock-it-fresh,” y hasta ofrece la traducción de términos lingüísticos del rap para entender y poder comunicarse como hip-hoppero/a. Aunque los cuatro elementos estén expuestos, el que se vislumbra es el baile, pasos limpios y acrobáticos en espacios abiertos y la ropa ajustada, una imagen que permite su estudio y emulación. El piloto del programa que repasamos hoy incluye una “batalla” entre Kool Moe D y Special K contra Run DMC. Vemos un rap rústico con fuerzas sónicas que mezclan electric boogaloo, disco y rock. Aunque el kunkunpa ya era parte de la estética del rap callejero, los medios de comunicación no querían todo el paquete, mucho menos los tambores del rap.

Mientras tanto, a mediados de los ochenta la calle seguía caliente. El nuevo “reaganomics” del actor-convertido-en-presidente disminuyó servicios públicos para aumentar gastos militares. Los levantamientos  sociales en Sud África en contra del separatismo empezaron a filtrarse por los noticieros estadounidenses. Había inquietud social pero el hip-hop ya no era la manera “fresh” de rebelarse, todo lo contrario, el hip-hop, ahora dominado por los medios de comunicación, nos instruye que debemos de “chill out.” Era justo en esta cúspide comercial que estaba por estallar la nueva revolución del rap con Public Enemy y NWA entre otros…

Movimientos Sociales y Música: Contextualización del hip-hop en los estudios históricos y culturales

Miércoles, 10 de junio, 2015: Tomamos una pausa de nuestra primera revisión histórica hoy para analizar las diferentes interpretaciones que existen dentro de la literatura académica con respecto al análisis del hip-hop. El contexto urbano que abarcamos el primer día nos permitió ver como esta música refleja y conduce al individual/colectivo sirviéndole(s) como una herramienta para crear paz dentro del abandono fiscal y el conflicto social. La pausa de hoy fue dedicada a la historia de los estudios sobre el hip-hop y la óptica/historia por cual se ha – hasta ahora – analizado este movimiento. Dentro de las academias norteamericanas el hip-hop ha sido desarrollado mayormente por las disciplinas de estudios Afro diásporicos y afro-americanos. A contraste, el pensamiento crítico sobre el rap en español se ha desarrollado dentro de las disciplinas de idioma/lenguaje español/portuguesa (y dentro de estas, sus estudios culturales por región geográfica). Notamos unos evidentes escases de literatura sobre el hip-hop en español y una tendencia de enmarcar los estudios del hip-hop en términos raciales o lingüísticos. Los archivos sobre el hip-hop Latino/Caribeño en español (desde EUA, Europa, y Am. Lat.), nos ofrece un análisis complementario del hip-hop por la óptica de la psicología, la antropología, la musicología, la sociología y la economía. Nuestra búsqueda de hoy era de contextualizar el hip-hop (particularmente Latino y en español) dentro de los estudios históricos y culturales; identificar los puntos clave que narran autores sobre la música (en este caso el hip-hop) y la identidad del individuo; entender la relación entre la música y el colectivo, el “margen,” la “intimidad diasporica” y por ende, los (nuevos, y no tan nuevos) movimientos sociales. Dentro de este marco más amplio también analizamos el hip-hop como herramienta pedagógica y notamos el balance entre su estudio teórico versus su práctica, ambos como avenidas hacia su conocimiento.

Seminario de Movimientos Sociales y Música: Una Historia del Hip-Hop en Estados Unidos, América Latina y el Caribe (HIST 8065), Depto. de Historia, Universidad de Puerto Rico; verano 2015.

Gracias a la invitación por parte del Departamento de Historia de la Facultad de Humanidades de la Universidad de Puerto Rico estoy ofreciendo un seminario graduado durante la sesión de verano 2015 sobre la música y los movimientos sociales. Este curso tiene como enfoque profundizar la historia del hip-hop en Estados Unidos, América Latina y el Caribe. Comparto aquí un resumen de lo que estamos cubriendo en esta nueva versión de Antropologia del Hip-Hop como un seminario graduado, bilingüe e interdisciplinario.

9 de junio, 2015

Movimientos Sociales y Música: Una Historia del Hip-Hop en Estados Unidos, América Latina y el Caribe.
El tema principal del seminario de hoy fue el contexto urbano de Nueva York que dio forma a los inicios del hip-hop: el “Burning Bronx,” las pandillas (Savage Skulls, Black Spades, Ghetto Brothers), y los intercambios entre pandillas y grupos políticos como fueron las Panteras Negras o los Young Lords. Además este tema abarca como la policía y los programas federales (Cointelpro) desintegraron grupos culturales, territoriales, y políticos, creando tensión entre ellos y permitiendo la entrada de drogas a barrios marginales. En este contexto vemos como la música se utilizó como herramienta para unificar y crear paz ante el abandono fiscal urbano y el conflicto social.